Critique de Sicario

"Suelta la pistola!"

En espagnol, Sicario signifie « tueur à gages »… c’est sur ces quelques mots que nous sommes directement plongés au cœur d’une âpre introduction qui donne le ton, l’une de celles que vous n’oublierez pas de sitôt, tellement violente et viscérale qu’elle donne la nausée à notre personnage principal, l’agent du FBI Kate Macer (Emily Blunt).

Celle-ci désire plus que tout la décapitation des cartels mexicains et sa motivation sans faille va la pousser à se faire enrôler par une force d’interventions spéciales agissant aux frontières mexico-américaines pour contrer les trafics de drogues qui nécrosent les favelas du pays.

Au-delà de l’atmosphère étouffante de Sicario, c’est sa sublime photographie qui frappe fort d’emblée. Une fois de plus, le travail du grand Roger Deakins (directeur photo sur Les Evadés, No Country for Old Men, Skyfall, Prisoners,…) impressionne de naturel et de réalisme. Seul un choix de réalisation laisse finalement perplexe, celui de filmer une poignée de scènes en caméra nocturne, alors que la vision thermique utilisée en alternance est beaucoup plus cinégénique.

vision nocturne...

...vision thermique.

Mais comment en tenir rigueur au cinéaste canadien Denis Villeneuve qui parvient depuis quelques films (Incendies et Prisoners en tête) à réunir tant de talents à l’écran, à faire en sorte que l’alchimie prenne et même à faire renaître des acteurs dont on avait presque oublié la grandeur ?On pourrait palabrer des heures sur la prestation d’Emily Blunt, cette actrice montante qui n’en finit plus de séduire le public dans tous types de rôles et qui, cette fois encore, est parfaitement crédible et suscite l’empathie dès les premières lignes de dialogues…mais c’est surtout l’animal Benicio del Toro qui marquera cette fois les esprits, lui qui incarne ici le sicario du titre et qu’on avait sans doute plus vu aussi bon depuis 21 Grammes. 

del Toro signe une performance magistrale, tout en retenue avec ce visage dont les traits semblent nous raconter une vie de souffrance, son magnétisme est fascinant et le mystère entourant les réels desseins de son personnage suffit presque à nous tenir en haleine 2h durant.

Car, nous y venons, Sicario ne jouit pas d’un scénario follement original ni de scènes d’action qui réinventent le genre, mais Denis Villeneuve réussit à nous saisir à la gorge par le biais d’une mise en scène d’une efficacité brutale, où chaque minuscule note d’espoir et rapidement détruite pour ne jamais nous laisser une once d’oxygène. 

Et c'est en ceci que réside précisément la force du long métrage, dans sa façon d’enterrer la bravoure sous la dure réalité pour parfaire un thriller de haut vol sans aucun compromis.
On ne ressort pas avec le sourire de Sicario, ni avec les larmes aux yeux d’ailleurs, mais plutôt avec la sensation d’avoir assisté à ce qu’on nous cache dans ce monde de loups, où les lois sont très flexibles quand il s’agit du prétendu « bien de l’humanité ».

Certains spectateurs sortiront de la salle frustrés par l’impuissance ressentie face à l’absence d’héroïsme émanant du film, mais c’est là que celui-ci se démarque le plus des productions hollywoodiennes actuelles, car il n’y a ni héros ni méchant dans Sicario, il n’y a qu’un monde profondément malade et c’est via le regard désabusé et désarmé d’Emily Blunt que nous en vivons la rude expérience.

Il va donc sans dire que Sicario est une œuvre solide et implacable, bien qu’elle ne deviendra pourtant pas un classique à cause de son léger manque d’originalité sur le fond et surtout la forme; Denis Villeneuve est pour le moment ce qu’on appelle un réalisateur très propre, voire « carré » et il lui manque justement ce petit brin de « folie », une singularité qui lui ferait franchir le cap des plus grands cinéastes de sa génération. 
En outre, la musique du film assure ce qu’il faut de tension mais devient vite répétitive et peu inspirée.

Par ailleurs, une suite centrée sur le saisissant personnage de Benicio del Toro est en préparation et nous ne pouvons que nous en réjouir, si tant est que le mystère entourant cet impitoyable loup ne soit pas réduit à néant comme dans la majorité des suites/préquelles du moment....espera ya verás!

Note : 8/10

Conseillé...	Déconseillé...
- Aux amateurs de thrillers purs et durs.      - A ceux qui sont en manque de réalisme au Cinéma.	- A ceux qui ont besoin de s'identifier à une véritable figure héroïque. - A ceux qui attendent un film d'action pétaradant dans tous les sens.

Critique de Seul Sur Mars

"Dans l'espace, personne ne vous entend ch***...crier"

Ridley Scott, tu ne m’auras plus.

Il faut dire qu’après un soporifique Cartel et un très moyen Exodus, on pouvait se douter que le dernier des frères Scott était en train de sombrer.

Il est d’ailleurs difficile de comprendre pourquoi le bonhomme de 77 ans enchaîne sur le rythme effréné d’un film par an depuis 2012 alors qu’en vieillissant on est plutôt censé ralentir la cadence dans le but de proposer un boulot toujours inspiré et inspirant. Succomberait-il aux affres de la sénilité ? Le résultat à l’écran le laisse penser.

Pourtant, c’est avec une tonne de critiques positives en tête qu’on se décide tout de même à assister au nouveau "grand film" de Ridley.

Vous lirez donc à plusieurs adresses que Seul sur Mars est un chef-d’œuvre, qu’il est le meilleur film spatial de la décennie et que le film plaît même à la NASA...toutefois, vous ne lirez nulle part à quels montants s’élèvent les pots-de-vin attribués aux critiques ciné pour écrire des âneries pareilles, ça non.

Objectivement, la première partie de l’œuvre a tout pour séduire, l’imagerie est très léchée et les cadrages sont aussi anxiogènes que flatteurs pour nos rétines. La mise en place est rapide et les (maigres) enjeux vite posés : Il faut (encore) sauver le soldat Ryan…pardon, Matt Damon. Celui-ci étant laissé pour mort sur la planète rouge par un équipage déjà sur le retour depuis quelques temps. « Impossible » de faire demi-tour et la prochaine mission part de la planète bleue dans 5 ans. Bref, nous allons assister à la survie du valeureux Matt, alias Mark Watney, jusqu’à l’arrivée providentielle des secours.

Ce qui frappe en premier lieu, c’est le ton léger de Seul sur Mars ; il y a décidément beaucoup d’humour dans ce long-métrage, ce qui apporte de prime abord une certaine fraîcheur à l’ensemble. 
Mark Watney est blagueur et vanne à tour de bras en consignant ses faits et gestes en format vidéo dans son journal de bord. L’aspect ludique de ses péripéties prend vie devant nos yeux ravis et la survie de l’astronaute nous captive jusqu’à ce que les premières incohérences pointent le bout de leur nez. Le spectateur averti glisse doucement de son état amusé à celui de la perplexité quand les réserves d’oxygène de Mark Watney deviennent soudainement illimitées, lui permettant même d’en consommer à foison dans le but, notamment, d’établir un champ de patates autour duquel il ne faut une nouvelle fois pas trop se poser de questions (reste à espérer que tout est mieux expliqué dans le bouquin d'Andy Weir ici adapté…).

Mais le film devient franchement embarrassant quand on finit par se rendre compte qu’il ne s’y passe vraiment pas grand chose et que les ficelles hollywoodiennes deviennent tellement grosses qu’elles masquent totalement l’aspect dramatique du film. Une fois la partie « survival » évacuée - Mark Watney n’a pas l’air de trop mal se débrouiller et ne souffre aucunement de la solitude à l’écran, donc pourquoi s’en soucier ? - tout devient bancal, de la raison de débourser des millions de dollar pour sauver un botaniste au fait que les communications Terre-Mars marchent encore mieux que quand tu chattes avec ta Maman depuis les States alors que la planète rouge se trouve à des centaines de millions de kilomètres d’ici, en passant par une alliance improbable entre Chinois et Américains pour sceller le sort de l’astronaute abandonné.

Ainsi, au bout de son premier acte, le film ne sait clairement plus où donner de la tête, tel un ado en pleine crise identitaire, Seul sur Mars ne parvient plus à choisir s’il doit être sérieux, humoristique ou palpitant et fait dès lors trop de concessions pour plaire à tous et surtout aux Américains, caressés dans le sens du poil jusqu’à l’irritation.

Le tout est bien sûr agrémenté d’un ramassis de clichés tels qu’on en avait plus vu depuis Armageddon (un bon plaisir coupable qui ne pétait pas plus haut que son fondement, lui) ; on pense notamment à la chargée de communication qui prend les mauvaises décisions pour notre héros du moment que l’image publique soit sauve, l’étudiant en astrophysique bordélique qui va trouver LA solution ultime pour la NASA, sans oublier un directeur général tiraillé du début à la fin, gentil mais inutile et enfin un équipage composé de membres qui culpabilisent tellement qu’ils seraient prêts à défier toute autorité et à sacrifier leurs vies (parfaites, évidemment) pour ramener Watney.

Cerise sur le gâteau, on n’en peut décidément plus des scènes d’applaudissements à répétition dans la salle de contrôle du centre spatial, quand elles ne s’étendent pas au monde entier.

Oui, la dernière œuvre de Ridley Scott est lisse comme une peau de marmot, même le personnage principal semble dépourvu de failles ; doté d’un courage sans limite et n’ayant visiblement peur de rien, comment mesurer l’ampleur d’un personnage s’il ne possède pas la moindre faiblesse? N’est-ce point là la base de tout drame relativement bien construit ? Le casting, lui, fait ce qu’il peut pour insuffler de l’émotion à l’ensemble mais l’étincelle ne prend jamais sur les terres arides de Mars.

A l'humble avis de votre serviteur, Seul sur Mars se trouve à des années-lumière des superlatifs lus dans la presse à son sujet. Le cinéaste britannique nous propose des films de plus en plus brouillons et son dernier opus ne fait que confirmer cette tendance ô combien décevante de la part de l’un des plus grands réalisateurs de sa génération. Passer après Interstellar (et/ou Gravity pour ceux qui l'apprécient) n’était décidément pas une sinécure et ce coup dans l’eau martienne ne fait que l’illustrer.

Note : 4/10

Conseillé...	Déconseillé...
- A ceux qui ont juste envie de poser leur cerveau à l'entrée de la salle pour voir un mec survivre en bousillant la science.      - A ceux qui aiment les clichés américains vieux de 20 ans.	- A ceux qui ont déjà vu un bon   film spatial, tout simplement.

Critique d'Everest (+ la bande-annonce du prochain DiCaprio)

"Hey Ho, Hey ho..."

L’Everest, le sommet du monde…le « Sommet des dieux » est lui aussi victime depuis de nombreuses années de l’expansion et de la démocratisation de l’alpinisme outrancier. Enfin, démocratisation semble être un grand mot puisqu’en 1996, date de « la tragédie de l’Everest », il vous en coûtait pas moins de 65.000 dollars pour pouvoir vous pavaner sur le toit du monde, y faire votre petit selfie et enfin clamser avant même de rentrer vous faire une fondue au fromage. La belle vie.

Dans l’œuvre filmique de Baltasar Kormákur, deux expéditions touristiques sont ainsi mises sur pied pour fouler les cimes du monde et crier à qui veut l’entendre : « je l’ai fait ! », sauf que…sauf que ce film n’aurait pas lieu d’être sans drame, sans que le rêve d’une vie ne devienne celui d’une âpre survie contre les éléments. 

Dès lors, les choses deviennent intéressantes pour le spectateur venu se repaître de sensations fortes.

Et pourtant ! Everest n’est pas un film spectaculaire au sens hollywoodien du terme, les clichés sont démontés les uns après les autres (exception faite d’un sentimentalisme parfois exacerbé) et l’approche quasi-documentaire de Kormákur laisse pantois. D’accord, les images sont impressionnantes et le personnage principal du long métrage, la montagne, est majestueuse à l’écran, mais la mise en scène met avant tout un véritable point d’honneur à rendre hommage à ces zinzins de l’altitude et à leurs guides qui ont bien du mal à garder tout le monde sous contrôle ; entre rivalités masculines primaires et entêtement  jusqu’à l’inconscience, il faut dire que Rob Hall (Jason Clarke) et sa bande ont eu de quoi s’occuper en grimpant les quelques 8848 mètres népalais. Quand certains se contenteraient d’entonner des chants scouts, nos personnages préfèrent jouer à qui a la plus grosse, chacun son truc.

Mais pourquoi ? Pourquoi s’aventurer là où le corps se meurt à petit feu ? Le film pose la question, laissant place à un silence embarrassé puis apporte quelques réponses convaincantes, aussi convaincantes que ce casting de très bonne facture, emmené par un attachant Jason Clarke, ayant eu la lourde tâche de remplacer Christian Bale au pied levé. 

Cependant, même si chacun a son petit mot à dire, ses petites répliques bien senties et détachées du genre « je suis un bonhomme, l’Everest me fait pas peur et je gère même par -1000°C » (ou pas), on regrettera tout de même que seuls deux des protagonistes, maximum trois si on se veut indulgent, se détachent du lot et ont droit à un développement digne de ce nom. 
Les autres ne sont que des personnages fonctionnels. Mention spéciale aux femmes qui, exceptée l’alpiniste japonaise, sont toutes reléguées au rang de chouineuses de premier ordre.

D’accord, raconter pareille histoire sur 2h demande des sacrifices mais l’équilibre dramaturgique n’est ici pas toujours optimal et l’émotion s’arrêtera aux frissons pour le spectateur aguerri, nourri aux films dramatiques.

Bel hommage global aux victimes de ces expéditions, Everest offre un regard relativement objectif sur ces accros à l’adrénaline qui, une fois leur rêve à portée de main, perdent toute notion des limites de notre espèce. 

La nature, elle, règne en maîtresse et quiconque ose la défier sans en respecter la démesure s’en mordra les doigts ou…ce qu’il en reste.

Les seuls bémols de cette aventure resteront l’absence d’épaisseur de la plupart des personnages, nous empêchant d’être réellement ému pour eux (certains trépassant même de manière risible), la bande son on ne peut plus générique et enfin le manque de plans vraiment forts, dignes des plus grands cinéastes.

Everest fait néanmoins le job et transpire le respect pour ces gens qui n’avaient pas froid aux yeux dont le périple nous glace le sang, nous laissant ressortir de la salle groggy, le stalactite au nez, à la fois fascinés et abattus par ce spectacle impitoyable. En cela, Baltasar Kormákur surprend et reste certainement un réalisateur à suivre de près.

Note : 7,5/10

Conseillé...	Déconseillé...
- Aux amateurs de dépaysement.      - A ceux qui aiment l'approche réaliste, quasi-documentaire d'un sujet.	- A ceux qui attendent du grand spectacle.      - A ceux qui passent une mauvaise soirée en l'absence d'happy ending.

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Je ne peux vous laisser sans avoir partagé la toute neuve et renversante bande-annonce d'un autre film qui semble très dur avec le spectateur, j'ai nommé The Revenant, la nouvelle mouture d'Alejandro Gonzalez Inarritu (Birdman), avec l'inarrêtable Leonardo DiCaprio et le non moins talentueux Tom Hardy. Ames sensibles, s'abstenir...

Sortie belge prévue en janvier 2016, sortie française en février 2016.

L'avis des autres

Court-métrage réalisé par Clément Bastie et votre serviteur.

Donnez-nous votre avis ;).

Critique du Petit Prince

"S'il vous plaît, dessine moi un mouton."
*Quand le mystère est trop impressionnant, on n'ose pas désobéir*

Comment ne pas être intrigué par ce projet atypique qu’est l’adaptation du Petit Prince ? Best-seller parmi les best-sellers, le chef-d’œuvre mondialement reconnu d’Antoine de Saint-Exupéry a longtemps fait partie de ces romans inadaptables en véritable long-métrage. 

Mais c’était sans compter sur la ténacité de l’équipe française d’Onyx Film qui aura mis pas moins de 9 ans à adapter cette fable universelle, une composante temporelle étroitement liée aux difficultés à rassembler le budget et les idées nécessaires à la mise sur pied d’un film d’1h46, finalement réalisé par le talentueux cinéaste Mark Osborne (Kung Fu Panda).

C’est donc sous un angle tout neuf que Le Petit Prince est abordé ici puisqu’il s’agit d’une histoire dans une histoire…celle d’une petite fille dont le quotidien est dirigé par une mère obsédée par la perfection, voulant faire de son rejeton une personne parfaitement parfaite, menaçant sans même s’en rendre compte ce qu’il y a de plus fondateur dans une vie : l’enfance.

Cependant, la rencontre de son nouveau voisin, un vieil aviateur excentrique, viendra chambouler le quotidien de cette gamine qui, au fond, ne demande qu'à rêver.

Et c'est là que les scénaristes se permettent une astucieuse mise en abyme puisque le vieux bonhomme n'est autre que la représentation animée de Saint-Exupéry,  son rôle étant de faire découvrir à l'enfant l'histoire du Petit Prince et de l'emporter dans son monde fait de rêve et de poésie, l'éloignant ainsi de ce monde d'adultes d'une austérité anxiogène.

A l'écran, la différence entre réel et imaginaire s'étend jusqu'à l'utilisation de deux techniques d'animations complètement différentes; ainsi, Le Petit Prince nous est narré sous forme d'un conte en « papier mâché », dont le rendu sublime doit tout à la fascinante technique de la stop motion qui rend pleinement justice au formidable roman adapté ici.

Le corps du film, lui, prend vie sous forme d'images de synthèse plus classiques qui, sans être mémorables, demeurent efficaces. Ne perdons pas de vue que, si un budget de 60 millions de dollars paraît colossal pour une production franco-américaine, c'est tout de même trois fois moins que le dernier Pixar !

Il convient dès lors de se demander si Mark Osborne n'aurait pas dû optimiser l’utilisation de son budget en prenant la voie du long-métrage en 2D, entrecoupé de ces magnifiques phases en « papier maché », pour un résultat peut-être plus homogène en terme de qualités visuelles, qui sait… mais il faut (hélas ?) toujours composer avec les impératifs des studios qui se doivent de nourrir nos chères têtes blondes aux technologies dernier cri.

Quoi qu'il en soit, la magie opère pendant les deux premiers tiers du film, les thématiques liées au refus d'oublier la candeur de l'enfance ne révolutionneront certes pas le Cinéma mais sont abordées avec justesse et émotion, bien aidées par un casting vocal en grande forme (mention spéciale à André Dussollier) et un rythme agréable, Mark Osborne se permettant de distiller dans son récit quelques touches d'humour qui raviront à la fois petits et grands.

Le dernier tiers du film a par contre de quoi laisser songeur, voire perplexe; jouant la carte du risque narratif, le metteur en scène se détourne du récit originel pour nous proposer une suite aux aventures du Petit Prince, une fin de parcours audacieuse qui ne manquera certainement pas de fâcher les puristes mais qui aura au moins le mérite de pousser un peu plus loin encore les questions abordées par le conte dans sa version papier (mâché ou non) et font finalement de cette oeuvre un objet personnel, avec une interprétation propre à son réalisateur (made in Hollywood), qui prend une tournure d'aventure à l'américaine un poil trop mainstream sans cependant piétiner toute la poésie initiée par « Saint-Ex » puisqu'il s'agit au contraire de la faire revivre dans le coeur de chacun.

Bref, Le Petit Prince est un très bon film d'animation. On ne saura jamais s'il aurait reçu l’approbation de son mystérieux auteur-aviateur mais on en ressort avec le sourire et le sentiment que le pari (osé) est globalement réussi. 

Un aspect visuel plus léché ainsi qu'une fin moins proche des standards hollywoodiens aurait certainement permis à Mark Osborne de tenir là son chef-d'oeuvre mais ce voyage pétri de nobles intentions fait tout de même mouche et l'enfant en nous se prend à rêver d'un monde arraché à sa tristesse par la puissance créatrice de l'imagination et le refus catégorique d'entrer dans des cases toutes faites, des cases devenues...des cages.

Note : 8/10

Conseillé...	Déconseillé...
- Aux petits et aux grands (enfants :).      - Aux amateurs d'animation en stop motion.	- Aux puristes hardcore.      - A ceux qui ne voient bien qu'avec les yeux... ;)